17:45 22.10.2010 | Все новости раздела "Коммунистическая Партия Украины"
Аксёненко С.И.: Эссе о живописи (договорные ценности в изобразительном искусстве) - продолжение
Начало см.
Как уже говорилось, вплоть до середины XIX века, художники обслуживали общество, занимая среди прочего и ту нишу, которую занимают ныне фотографы. То есть, увековечивали лики заказчиков. Именно после того, как человек смог получить свой портрет, портрет семьи, друзей без помощи художника - ИМЕННО после этого - в искусстве начался активный поиск, уход от точного запечатления действительности. Вначале появился импрессионизм, когда художник мог нарисовать бурый стог фиолетовыми красками, только потому, что стог произвёл на него такое ВПЕЧАТЛЕНИЕ, а потом появилось и вообще беспредметное искусство. Заметьте - активные искания начались сразу после того, как фотография сделала труд многих художников ненужным. Конечно и до этого стили сменяли друг друга, шёл поиск новых форм и средств выражения, но смена стилей не была столь радикальной, а поиск - столь исступлённым. При всей непохожести, иконопись ближе к работам мастеров Возрождения, чем пятна ташистов к "Последнему дню Помпеи". Художники, вытесняемые фотографами, начали искать новую нишу. При этом мы не должны забывать, что каждый год художественные школы заканчивают тысячи и тысячи выпускников. И любой из них (если не отлынивал от занятий) вполне сможет нарисовать портрет женщины в стиле ренессанса или классицизма, сделать графический рисунок в стиле А.Дюрера, не говоря уже о мазне в виде кубиков и линий (так нарисовать сможет КАЖДЫЙ и безо всяких там художественных школ). А гениями коллективное бессознательное человечества может назвать немногих, ведь если каждого третьего художника назовут гением, то мы просто потеряемся среди сотен тысяч, а то и миллионов гениев. Уже сейчас многие начинают путаться между всеми этими Рубенсами, Рембрантами и Ренуарами, между Мане, Моне и Матиссами, Сезанами, Сезарами и Сёрами, Пикассо, Писарро и Пуссенами, Ван Донгенами, Ван Гогами и Гогенами. Только признанных гениев среди художников столько, что никто кроме профессиональных искусствоведов не удержит их в памяти. А сколько непризнанных, сколько художников второго плана о которых мы по истечению времени можем сказать, что на самом деле они были первыми, что их незаслуженно забыли? А ведь гениев не может быть много по природе своей.(18) С учётом всего сказанного выше, понятно, что для того, чтобы художника заметили, для того, чтобы назвали гениальным - одного умения рисовать мало. Нужно как-то выделиться среди массы тысяч и тысяч рисовальщиков. Вот тут-то и можно говорить о "раскрутке", которой способствуют нестандартные полотна и действия. Если на выставке авангардистов поставить хорошо прорисованную картину в стиле классицизма, она несомненно привлечёт к себе внимание, так же, как и мазня выставленная среди тщательно прорисованных холстов. Немаловажно оказаться в нужное время в нужном месте. Если бы Марсель Дюшан выставил свой писсуар на сто лет раньше - во времена Наполеона или Людовика - художник, в лучшем случае, закончил бы сумасшедшим домом. Точно так же была бы "не понята" и Кароли Шниман, если бы совершила свой знаменитый перфоманс "Внутренний свиток" на сто лет раньше, если бы, обнажившись, начала вытаскивать из собственного влагалища феминистические тексты где-нибудь на выставке импрессионистов.
Именно на примере импрессионистов мы видим, как постепенно менялось представление об искусстве. Ведь их миленькие скверики и вокзалы кажутся нам вполне старомодной классикой и нам трудно понять, почему эти картины вызывали такие скандалы на выставках XIX века. Только после того, как общество привыкло к тому, что стог сена может быть не только жёлтым, но и ярко-рубиновым, синим - в общем, любым - только после этого мог быть сделан следующий шаг. И так до самого "Чёрного квадрата" включительно. Конечно, в исканиях художников тех лет был и китч, были и неудачи, но направление живописи ясно - это эксперимент, разложение цвета, разложение формы и он был оправдан. И вот "Чёрный квадрат" показал, что этот путь пройден до конца - дальше ни цвет, ни форму не разложишь.
Но… но художественные школы по-прежнему выпускали тысячи и тысячи художников. Им надо было зарабатывать на хлеб, многие хотели, чтобы их признали гениями. И эти люди вынуждены быть вторичными. Не потому, что они хуже, а потому, что пришли позже, пришли, когда эксперимент был в основном завершён. Начались повторы. Сейчас только специалист в нагромождении линий и точек сможет разобрать где здесь лучизм, где ташизм, где неопластицизм, а где супрематизм. Причём, обратите внимание, что по сути каждое из старых направлений живёт и ныне - масса художников рисует в стиле импрессионизма, а для тех, кто рисует пятнами и точками придумали обобщающее название "авангардизм", и ещё одно - "беспредметное искусство", это для того, чтобы не путаться во всех этих "дадаизмах", многие из которых были не более, чем играми молодых. Рисуют также художники и в классическом стиле, в стиле реализма. Так, что для того чтобы тебя признали гением умения рисовать мало. Более того, общество зарезервировало звания гениев и за не умеющими рисовать. Это произошло во времена, когда авангард подходил к своему логическому пределу, когда уже выставляли картины якобы нарисованные хвостом осла. Кто-то подумал: "А чем хуже осла, рисуют люди не умеющие рисовать, если рисуют искренне?". Так появилось направление названное примитивизмом, где творили неумехи-примитивы и их последователи - примитивисты. Некоторых из них назвали представителями народного творчества. В образовавшуюся нишу сразу же ринулись художники умеющие рисовать, которые начали притворяться, что не умеют. Но ниша эта не слишком большая. Примитивисты хороши только на фоне других. Когда в окружении сотен полотен в стиле классицизма висит одна картина примитивиста тогда можно сказать - "О! Как же это по детски непосредственно! Как же это свежо, на фоне скучной и однообразной живописи классицизма! Как же это чистосердечно! О!О!О-о-о-о!!!!!!!!!!!!!!". Но когда эти "чистосердечные" недомалёвки потянутся сплошным потоком, то будет очень скучно. Ещё скучнее, чем на выставке академической живописи. Поэтому за примитивистами коллективное бессознательное человечества закрепило всего лишь несколько имён. Ведь больше не запомнишь, да и не надо. Самые знаменитые - французский таможенник А.Руссо, (хотя говорят это один из просочившихся в примитивы из числа УМЕЮЩИХ рисовать) и мечтатель-бедняк из Грузии Н.Пиросманашвили.(19)
А.Руссо. «Напавший тигр». 1909.
Н.Пиросманашвили. «Натюрморт». Начало 1900-х.
Хотя почти каждая национальная культура резервирует у себя в стране пару-тройку мест для примитивистов, для художников из народа, чтобы было что выставлять в музеях, чтобы было чьи картины продавать любителям за баснословные деньги. В Украине, например, такой художницей назначили дочь сельской вышивальщицы Марию Примаченко (1908-1997), которая бесхитростно, по-детски, рисовала всяких зверушек, птичек и цветочки.(20) Критики нашли в творчестве художницы глубочайшие народные истоки, да так "раскрутили" её, что картины Примаченко продают за деньги пристойные даже для западных примитивов. И правильно сделали, что "раскрутили"! Конечно на месте Примаченко мог бы оказаться кто угодно, имей он нормальную для примитива биографию и желание рисовать много и упорно. Качество картин тут не важно - главное, чтобы соответствовали минимальным стандартам примитива, а остальное работа критиков - они в чём угодно, какие угодно истоки найдут за соответствующую плату.
Недавно смотрел по телевизору, как один "высоколобый" критик нашёл в орнаментах Примаченко истоки древних цивилизаций, истоки набившей всем оскомину, Трипольской культуры, другой говорил о том, что свой "мистический дар" она получила от самой Матери Земли, третий утверждал, что взрослый не сможет рисовать как ребёнок, так как он внутренне несвободен(21) и только одна Мария сумела это… Характерно, что лейтмотивом всех этих восторгов было постоянное повторение того, что картины Примаченко продаются за сто тысяч долларов каждая.
Пример Марии Примаченко так же показывает, что "раскрученных" народных гениев не может быть много. Представьте, что государство стало бы "раскручивать" тысячу художников уровня Примаченко.(22) Тогда на мировом рынке не знали бы ни одного украинского примитива. Просто никто бы эту тысячу не запомнил. А вот когда всё внимание акцентируется на одном человеке, то любой зарубежный коллекционер примитивной живописи будет ассоциировать Украину с М.Примаченко, так же, как Швецию - с А.Петерсоном, а Грецию - с Т.Хадзимихаиле.
Образец творчества М.Примаченко.
Живопись примитивизма.
В современном мире стоимость картин сильно влияет на причисление автора к гениям. А эти две вещи не всегда совпадают. Вернее, они очень редко совпадают в отношении живых и здравствующих художников. Стоимость полотен отражает вложенный пиар и мещанские пристрастия того или иного времени, а отнюдь не гениальность автора. Более того - многие гении не были признанны при жизни. Из сотен картин Ван Гога при его жизни была продана только одна! И может быть я вызову возмущение поклонников великого мастера, но есть ОГРОМНАЯ доля вероятности того, что Ван Гог так и не был бы открыт для широких масс, не был бы открыт даже посмертно, если бы не шум с привкусом сенсации созданный вокруг его имени. Если бы он не гонялся с ножом за другим знаменитым художником Гогеном, если бы в припадке безумия не отрезал себе ухо, если бы не покончил жизнь самоубийством. Неудивительно, что некоторые современные художники имитируют безумие, делают неординарные поступки, шокируют публику, чтобы привлечь к себе внимание этой самой публики. Возможно, не был бы открыт и, умерший в больнице для бедных, Модильяни, если бы после смерти художника его гражданская жена Жанна Эбютерн не выбросилась из окна шестого этажа будучи на девятом месяце беременности. Показательно, что уже во время похорон началась бешенная скупка картин Модильяни, цены на которые резко подскочили! В тот же день открылась его первая(23) персональная выставка. Только после смерти мастер добился того, чего не мог добиться всю свою жизнь. А сколько их ещё не открытых гениев, чья смерть не носила столь сенсационного характера?
А.Модильяни. Одна из многочисленных «Обнажённых». Амедео Модильяни удалось выработать свой неповторимый стиль. Хотя картины его почти никто не ценил при жизни мастера, зато после его преждевременной смерти, они приобрели неимоверную популярность.
Амедио Модильяни.
Жанна Эбютерн – гражданская жена Модильяни, которая в 22 года выбросилась из окна шестого этажа, будучи на девятом месяце беременности. Она не смогла пережить смерти мужа.
Надо правильно понимать, что стоит за исканиями художников. И это не обязательно коммерческая составляющая. Не меньшее значение имеет желание выделиться - быть признанным! Ведь получилось же у Дюшана с его писсуаром, думает современный художник - почему же у меня не получится? А выделиться тем, что он нарисует лучше можно только на фоне не умеющих рисовать. Среди тысяч и тысяч рисовальщиков так не пробьёшься. Помню, как один художник хвостик ветра к своим образам пририсовывал, другой - чёрточки и штрихи особые. Меня вначале это смешило, а потом подумал - лучше уж так, чем рисовать бессмысленные пятна и доказывать, что это круто. Не виноват же художник, что поздно родился, что все стили которые могут быть восприняты человеческим мозгом на данном этапе развития цивилизации, уже открыты до него. Вот художник и придумал себе небольшую стилевую особенность, он чуть-чуть не похож на собратьев. Пусть пишет на здоровье! У меня такие художники вызывают гораздо больше уважения, чем те, которые сидят голыми на цепях и кусают прохожих.
Из современных художников ищущих свой оригинальный стиль, я бы отметил московскую художницу Наталью Кузьминскую, с её фантастическими образами, выполненными в плоскостной манере; киевлян Леонида Берната с его оригинальными левкасами, Владислава Шерешевского с необычными сюжетами его картин и своеобразной манерой письма, Ольгу Акаси пишущую в духе мастеров Возрождения, Алину Максименко с её запоминающимися женскими образами и некоторых других художников.
Отдельно надо сказать о содержании картин. Здесь тоже начнём с импрессионизма. Исследователи спорят - включать ли творчество Эдуара Мане в импрессионизм или нет? Как бы то ни было, он работал вместе с первыми импрессионистами и был в чём-то их учителем. Так вот - его картина "Завтрак на траве", где были изображены двое одетых мужчин, одна голая и одна полуголая женщина вызвала настоящий фурор. Хотя "обнажёнка" была привычной для искусства того времени. Да и сама картина была исполнена в классическом духе. Если бы он нарисовал голышом всех четверых - никто и слова бы не сказал. Публика бы умилённо глазела на это зрелище. Вслух бы вспоминали образцы античных божеств кисти художников ренессанса, а про себя каждый бы подумал - "Знаем мы для каких таких дел собрались в укромном месте эти две парочки". Всё было бы чинно и привычно. А тут… Ну что делает эта ГОЛАЯ женщина между двумя ОДЕТЫМИ мужчинами?
Э.Мане. «Завтрак на траве».1863.
В Киеве есть такой Труханов остров. Пишу в Киеве, хотя он и не совсем в Киеве - остров на Днепре, но соединён мостами с обеими частями города - с правобережьем и левобережьем. Остров лесистый. В одном его месте, на мысе Добычка (с ударением на первом слоге), точнее на мысе Добычка-два, есть нудистский пляж. Гулял я как-то по лесу. Проходил мимо этого пляжа. Там голые женщины и мужчины загорают. Не ахти какое зрелище - привычное и в целом целомудренное. А вот дальше - уже за пределами пляжа, на полянке я увидел двух одетых мужчин и одну голую девушку. Шашлыки жарили у берега. Один мужик был даже в костюме. В летнем костюме. Так вот. Именно эта сценка врезалась мне в память. Хотя буквально за пять минут до того, я мог лицезреть с полсотни голых женщин. И тут я понял, что меня поразила не девушка, меня поразил АНТУРАЖ. Необычность этой сценки даёт пищу для самых неожиданных размышлений. Так и современников Мане поразил антураж. СОДЕРЖАНИЕ картины.
Ещё забавней другой пример. С тем же художником. Даже модель была та же - Викторина Мёран. Возмущение картиной "Олимпия" понять труднее, чем "Завтраком на траве" - там всё ясно. А тут - просто лежит голая, не очень красивая девушка на кровати. Лежит и смотрит на зрителя. Тем более тот же зритель, восхищался написанной в то же время картиной А.Кабанеля - "Венера". Там тоже изображена лежащая нагая девушка. Только красивая девушка. В чём же дело? Критики пишут - всё дело в том, что Мане изобразил не обнажённую, не нагую, а именно раздетую, голую женщину. То есть показал не тело ВООБЩЕ, как на картинах ренессанса и классицизма, а индивидуальное, конкретное тело. Тот же приём, но не столь НАРОЧИТО выраженный, использовал великий Гойя в своей картине "Обнажённая маха", написанной в начале того же века.
Джорджоне. «Спящая Венера». 1510.
Л.Карнах старший. «Нимфа у источника». 1530.
Тициан. «Венера Урбинская». 1538.
Рембрант. «Даная». 1636.
Ф.Гойя .«Обнаженная Маха». ок. 1802.
А.Кабанель. «Венера». 1863.
Э.Мане. «Олимпия». 1863.
Для того, чтобы понять чувства зрителей "Олимпии" достаточно взять с десяток журналов "Плейбой" и пролистать их. Почему с десяток? Потому что из одного номера не поймёшь, насколько уныло однообразны плейбоевские красотки. Однообразны именно В МАССЕ СВОЕЙ. И вот когда, вас потянет на сон от скукотищи плейбоевского глянца, возьмите аматорское ню - и вы увидите, насколько отличаются эти фото. Даже если девушки изображённые на них, пытаются подражать плейбоевским. А если она ещё в соответствующем антураже, например, на заплёванной секции общаги в компании пожилых спившхся водопроводчиков, то получится совсем оригинально, по сравнению с плейбоевщиной. Но… но если вы рассмотрите сотни таких аматорских фото, устанете от них так же, как от "Плейбоя". Тогда уже плейбоевская красавица покажется оригинальной. Пишу об этом столь подробно, потому, что так легче понять суть развития искусства. Не только мастерство исполнения, но и оригинальность картины НА ФОНЕ других, привычных, выделяют её из массы, делают художника знаменитым, а его картины дорогостоящими.
Поэтому мы должны понимать, что когда Казимир Малевич объединил в одной картине, пусть даже механически, такие далёкие образы, как корова и скрипка, это было интересно публике, так как было тогда непривычно. А если вы ПОСЛЕ ЭТОГО станете объединять козу с роялю, а быка с фортепиано - образ будет банальным, ибо открытие уже сделано. Оригинальность такой картине может придать лишь нестандартное исполнение.
К.Малевич. "Корова и скрипка". 1913.
Ещё пару слов об "Олимпии". Как-то за границей попалась мне прекрасно иллюстрированная книга под названием "Naughty Paris. Erotic photographs of the twenties". Я купил её, чтобы попрактиковаться в английском - уж больно текст специфический. В предисловии была дана история развития эротической фотографии с изумительным видеорядом на полях. Там я вычитал, что эротической фотографии практически столько же лет, сколько и обычной. То есть человек изобрёл фотоаппарат, попрактиковался, фотографируя вид из окна, и сразу же побежал фотографировать голую женщину. Причём фото эти вызвали шок у современников, привычных не только к эротическим РИСОВАННЫМ картинкам, но и к тому, что мы бы сейчас классифицировали, как "крутое порно". Такого "добра" и тогда хватало. Но одно дело рисунок, пусть даже с натуры, другое - фото РЕАЛЬНОЙ женщины. Людям, казалось, что спадают все покровы, рушатся все барьеры целомудрия… Прошло несколько лет и эротическое фото стало привычным. Я думаю, что между этим явлением и "Олимпией" Мане, существует прямая связь. В мире всё очень тесно переплетено.
Однаиз первых фотографий в истории человечества (Л.Дагер. «Дю Тэмпиль»). Первая половина XIX в.
Эротическое фото XIX века.
Эротической фотографии практически столько же лет, сколько и обычной.
Если говорить о последующих временах, то надо отметить сюрреалистов. Они вволю попрактиковались на необычном содержании своих картин. Причём содержание для них было главным, об этом свидетельствует хотя бы то, что исполнение картин было различным. Кто брал традиционную технику и помещал привычные изображения в особый контекст, кто искажал образы до неузнаваемости, закручивая тела и меняя форму предметов, кто вообще делал фигуры столь невнятными, что отличить такого сюрреалиста от представителей лучизма или ташизма может лишь специалист. Точнее тот человек, который ЗАРАНЕЕ знает, что автор этих полосок и пятен ПРИЧИСЛЯЛ СЕБЯ к сюрреалистам.
И мне жаль современных художников. Трудно создать что-то новое, когда ещё до твоего рождения тысячи человек ЦЕЛЕНАПРАВЛЕННО пытались создавать это самое "что-то новое". Тут как в поэзии - ещё во времена Пушкина были открыты практически все рифмы тогдашнего русского языка. Поэтому новаторам, жившим столетие спустя - во времена "серебряного века" - пришлось или совсем отказываться от рифмы, чтобы быть оригинальными, или использовать - наряду с рифмой - ассонанс. Обратите внимание - искания мастеров слова совпали по времени с исканиями мастеров кисти. Поэты "серебряного века" были современниками кубистов и фовистов. И когда я смотрю на то, как кто-то из моих современников рисует обезьян, поместив их в костюмы участников совещания руководителей государств антигитлеровской коалиции, когда механически совмещают образы разных эпох и называют, это постмодернизмом, я понимаю, что делают это не от хорошей жизни. Трудно удивлять, после сотни лет сплошных "удивляний".
В западном мире своеобразным итогом, всех этих исканий и экспериментов, всех ташизмов-неопластицизмов, является то, что принято называть Contemporary Art. Хотя теоретики этого направления и противопоставляют его модернизму - на самом деле это не более, чем декларации. Contemporary Art имеет те же корни, да и методы его не новы - всё это появилось во время великих экспериментов начала ХХ века. И хотя словосочетание Contemporary Art переводится, как "современное искусство", это не совсем так. Contemporary Art скорее жанр современного искусства, потому что художников работающих в классическом ключе, вряд ли отнесут к этому направлению.(24) От своих предшественников начала ХХ века, Contemporary Art отличается исключительно коммерческой направленностью.
Надо сказать прямо - то, что называют Contemporary Art, рассчитано исключительно на богатого обывателя, которому льстит мысль быть причастным к современному высокому искусству, но который ничего не понимает в нём. Contemporary Art спекулирует на исканиях гениев времён перелома, которые делали вещи непонятные для публики, но делали это не для того, чтобы "бабки срубить", а ради художественного поиска. А вот Contemporary Art это коллективный обман, осуществляемый группой лиц с целью извлечения прибыли. Разумеется я не исключаю того, что и в этой отрасли есть несколько талантливых художников. Есть и произведения настоящего искусства, но их мало. Contemporary Art это коммерческий проект, такой же, как СПИД, Свиной грипп, Миллениум или Голливуд.(25) Это маскультура, шоубизнес поданный под соусом высокого искусства. Можно сказать, что Contemporary Art это опошлённый вариант модернизма, сведённый до уровня халтуры и маскультуры.
Вот характерный пример. Смотрел по телевизору, как один киевский художник-абстракционист, гордился тем, что "продвинутые", как он выразился, богачи платят за его мазню до тридцати тысяч долларов.(26) При этом он ругал конкурентку, которая пишет забавных мальчиков и девочек, рюшечки и ангелочков, столь милых сердцу глупых жён "непродвинутых" олигархов. "Всё это китч!" - восклицал абстракционист. Он прав. С тем уточнением, что его поделки тоже китч. Просто ему удалось обмануть одних, ей других богачей - вот и вся разница. Этот деятель умилялся нищетой Ван Гога, а о современниках заявил, что настоящий художник бедным быть не может. Хотя по его поведению было понятно - человек этот чувствует, что он не художник и пытается убедить в обратном в первую очередь самого себя.
Одной из характерных особенностей Contemporary Art есть то, что в нём широко используются шоу, постановки, называемые перформансами и хепенингами.
Ванесса Бикрофрт. «Люди Моды». 2002.
Представьте ситуацию. Приехал в Киев, никем не узнанный, Пикассо и выставил на Майдане картину, в которую вложил весь свой гений, мастерство и годы упорного труда. Тут же на Майдан пришла молодая девушка и разделась. Что привлечёт больше внимания толпы - картина Пикассо или голая девушка? Конечно голая девушка, хотя в отличие от художника она никакого труда в своё шоу не вкладывала - разве что проявила определённую дерзость. Обилие голых женщин и вообще "обнажёнки", эротика, онанизм и половые акты во время перфомансов, садизм по отношению к животным(27) - всё это показывает, что так называемое Contemporary Art, рассчитано на примитивную толпу. Оно базируется в основном на дешёвых фарсах призванных озадачить, а то и шокировать неподготовленного обывателя. Постановщики этих фарсов хотят зарабатывать, не имея таланта и не вкладывая особого труда, подобно вышеупомянутой девушке на Майдане. Хотя есть и одно принципиальное отличие. Девушка проявила ДЕРЗОСТЬ. То есть, тут она похожа на тех художников, которые ПЕРВЫМИ нарисовали чёрный квадрат, ПЕРВЫМИ выставили писсуар в музее. А вот в Contemporary Art дерзости нет. Нет гения, нет таланта. Это просто производственный поток, создатели которого поняли, что низменные инстинкты толпы принесут им больше денег, чем высокая духовность.
Художник, опорожнившийся в музее под картиной Ван Гога, или (как вариант того же самого) художник, сидящий голым на цепи и кусающий прохожих, или художник, онанирующий в галерее… Понятно, почему эти художники так делают? Рисуют они плохо, прославиться своими картинами не имеют ни малейшей возможности. Поэтому при помощи скандала они хотят привлечь к себе внимание, стать знаменитыми, выгодно продать то что они намалевали, получить уйму денег и жить в своё удовольствие. С художниками вроде всё ясно. Их цель явно корыстна. А вот как быть с ИСКУССТВОВЕДАМИ, которые подобные действа обозвали мудреными словами "перфоманс", "инсталляция" и "Contemporary Art", которые пишут о выходках подобных художников, буквально следующее: "выставки произведений Contemporary Art нередко бывают довольно сложными для восприятия обществом и поэтому сопровождаются скандалами"?(28) Если бы такое написал искусствовед, состоящий в доле с голым художником, его мотивы можно было бы понять. Заработать хочет человек. Но в той же статье говорится, в числе прочего, о перфомансах старых лет. О Кароли Шниман, например. Вряд ли автор и с ней тоже в доле. И таких статей - масса! Что это? Глупость авторов? Так рассуждают вроде бы логично. Желание эпатировать? Так какой уже может быть эпатаж после голого художника, сидящего на цепи. Гипноз и самообман? Но не может же быть подвергнуто гипнозу такое множество людей в разных концах Земного Шара. А может быть околохудожественное сообщество играет с нами в какую-то игру? Может, они там все повязаны с целью выбивания денег путём перфомансов голых художников? Может, нормальную здравую статью обо всех этих немудреных перфомансах просто не примут в такой журнал, как то роскошное издание, из которого я взял цитату? Может, искусствоведы просто обязаны так писать ради того, чтобы прокормиться? С учётом тех миллиардов, которые вращаются в Contemporary Art, последнее предложение выглядит наиболее вероятным.
Многие художники уже в открытую говорят о "мафии" узурпировавшей рынок искусства и через обслуживающие их СМИ, навязывающей оболваненным покупателям дешёвые поделки тех, так называемых, "художников", которые состоят в этой мафии, уверяя неумных покупателей, что те не только "продвинутые" эстеты, но и выгодно вложили свои денежки.
Более того, вся эта мазня, называемая искусством на самом деле, является частью хитроумной схемы ухода от налогов. Дело в том, что в законодательстве многих стран прописано, что человек подаривший музею произведение искусства, освобождается от налогов на сумму пропорциональную стоимости подарка. А настоящих шедевров не много. Количество картин Рембрандта или Веласкеса исчисляется десятками или сотнями, все они уже в музеях и на рынок их никто не собирается выбрасывать. Поэтому и "раскручивают" мазню ушлых бездарей, оценивая их картины в миллионы, чтобы подарив музею холст стоимостью в 10 долларов, оценив его, как в 10 миллионов, сэкономить миллионы на налогах. Кстати, коммерсанты удерживают непомерно высокие цены на произведения П.Пикассо, так как мастер создал около 30 тысяч картин и набросков. Из-за многочисленности их можно использовать, как своеобразную волюту в мошенническом бизнесе отмывания денег и ухода от налогов.
В бурные дни 2004 года, я в качестве журналиста присутствовал при всех важнейших событиях так называемой "Помаранчевой революции" в Киеве. Там мельком познакомился с художником Сергеем Поярковым. Приведённый выше абзац - это краткий конспект информации с его сайта, который я обнаружил случайно уже после того, как эта работа была написана. Пришлось сделать вставку.
Ироничный и меткий взгляд на постмодернистские игрища мы можем найти в "Священной книге оборотня" В.Пелевина. Вот цитата, в которой писатель пародирует концептуальное сопровождение "инсталляции":
"В работе Асуро Кешами "VD 42 CC" сочетаются разные языки - инженерный, технический, научный. На базовом уровне речь идет о преодолении: физического пространства, пространства табу и пространства наших подсознательных страхов. Инженерный и технический языки имеют дело с материалом, из которого изготовлен объект, но художник говорит со зрителем на языке эмоций. Когда зритель узнаёт, что какие то люди дали этому маленькому педику пятнадцать миллионов фунтов, чтобы растянуть п...у из кожзаменителя над заброшенным футбольным полем, он вспоминает, чем занимается по жизни он сам и сколько ему за это платят, потом глядит на фото этого маленького педика в роговых очках и веселой курточке, и чувствует растерянность и недоумение, переходящие в чувство, которое германский философ Мартин Хайдеггер назвал "заброшенностью" (Geworfenheit). Зрителю предлагается сосредоточиться на этих переживаниях - именно они являются эстетическим эффектом, которого пытается добиться инсталляция".
Отдельно скажем об использовании во время перфомансов и выставок Contemporary Art, так называемых "найденных вещей", точнее уже готовых - "сделанных вещей" - ready-made. Суть в том, что художник берёт всякие банки пустые, пуговицы, рваную обувь и всё это выставляет в надежде, как он говорит, пробудить у зрителя особые эмоции. А на самом деле, он надеется этой немудреной выдумкой создать скандальную славу и быстренько "бабки срубить". Когда Марсель Дюшан выставил в музее велосипедное колесо в 1913 году, а затем в 1918 - знаменитый писсуар, назвав его фонтаном, он обосновывал смысл своих действий тем, что на вещь, красующуюся в музее, человек смотрит совсем не так, как на такую же в привычной среде. Зритель невольно начинает думать, а что же ему хотели всем этим сказать? Открытие Дюшана было вполне правильным, он был оригинален на тот момент. Но как безнадёжно вторичны его последователи!
Что бы там не говорили в СССР было настоящее ready-made. Кто жил в 1970-е, наверное помнит, что тогда была мода на необычные произведения созданные самой природой. Моду эту активно пропагандировало телевидение и печатные СМИ. Суть в том, что люди находили всякие сучки необычной формы, корни и коряги, камни, а также сброшенные рога лосей, оленей и тому подобные предметы. Потом, если была в том потребность, убирались лишние детали, порой творение покрывали лаком, и получались всякие фантастические животные - драконы и динозавры, гарпии и грифоны, иногда и фигурки людей. Вот это действительно искусство! Человек выступал соавтором самой природы. Советский Союз воплотил в жизнь мечту деятелей авангардизма о том, что каждый человек может стать художником, что каждый из нас может быть творцом произведений подлинного искусства, если только сумеет разбудить в своей душе божественную музыку творчества, которая есть у всех людей, но которую не каждый сможет услышать, если он будет предаваться всю свою жизнь порочному делу накопления и потребления. Неудивительно, что западное общество, которое так и назвало себя "обществом потребления", платило огромные деньги за пустые бездушные пивные банки и прочий мусор, а общество, задекларировавшее приоритет духовных ценностей, выступало сотворцом природы, а значит самого Бога, создавая настоящие шедевры. Но… но Запад, поглощённый мелкими политическими игрищами умудрялся видеть в СССР, одни недостатки,(29) которые действительно были, чего греха таить! Видеть только плохое, но в упор не замечать того хорошего, что было в нашей стране. Поэтому подлинное ready-made никто не заметил, а мусорособирание западные прикормленные критики, объявили высочайшим достижением искусства, поставив сборщиков пивных банок, на один уровень с Рафаэлем и Леонардо.
Теперь несколько слов о фотографах. Фотоискусство - настоящее искусство, вполне самостоятельное, имеющие свои традиции, искусство способное создавать подлинные шедевры. Отличий от живописи здесь много. Мы остановимся только на одном, чисто техническом. Художник создаёт картину в единственном экземпляре, а для того, чтобы сделать её копию, надо потратить немало времени. За такое время настоящий мастер может создать ещё одно полноценное произведение, поэтому не так уж часто творцы делают копии своих картин. Другое дело фотография, тут мастер может сразу же при первом распечатывании на бумагу создать множество копий своего шедевра, и любую из них он может назвать оригиналом, ни одна экспертиза не установит, какая распечатка вышла первой, а какие за ней.(30) То есть мастер сам может ОДНУ фотографию назвать оригиналом, а остальные копиями. Если он добросовестный человек, то оригиналом назовёт первую УДАЧНУЮ распечатку, при этом он должен уничтожить все неудачные предшествовавшие ей, если конечно таковые были. Мастер должен также поставить своей рукой на обороте дату создания, написать, что ИМЕННО это есть оригинал и подписаться. Тогда наше коллективное бессознательное создаст со временем соответствующую ауру вокруг этой фотографии, если она действительно шедевр, или если мастер достаточно "раскручен". Такой экземпляр будет стоить больших денег, а остальные, даже подписанные фотографом - дешевле. Ничего удивительного тут нет. Любой желающий из Интернета(31) может "вытащить" точно такую же фотографию, распечатать её на такой же бумаге и в том же формате. Таким образом, описанный выше путь установления оригинала является единственно возможным, раз уж фотографы, захотели подобно художникам зарабатывать на продаже ОРИГИНАЛОВ своих творений.(32) Но… но в процесс вмешалась обыкновенная человеческая жадность и вот, что из этого вышло. Смотрю я как-то новости по телевизору. Передают, что к нам в Киев, приехал какой-то известный фотограф, который устроил выставку и продажу своих шедевров. И тут же объявляют, что у них - то есть, у мастеров фотоискусства - принято считать оригиналом… 20 первых копий! Почему именно 20? Почему не 100, не 1000, не 10000? Хотя может это только одна "школа", может есть и такие, где 20000 считают оригиналами. А почему бы и нет? Только пусть переходят тогда в полиграфию работать. Как главный редактор журнала "Время Z", я считаю оригиналами ВСЕ журналы тиража. Но при чём тут искусство, где товар ценен тем, что он штучный? Конечно они бы и первый миллион оригиналами объявили бы, если бы не угроза девальвации. Да и нынешние коллекционеры измельчали, раз приняли такие правила игры.
В связи с этим мне вспомнилась старая история о редкой раковине. Варварская конечно история, но хорошо передающая суть, рассматриваемого нами, явления. Один небогатый коллекционер владел очень редкой раковиной. И вот к нему приехал его коллега, тоже коллекционер, только богатый и попросил продать ему эту ракушку. Первый, как водится, стал отказываться - мол, не продам её ни за какие деньги, мол, жизни за неё не пожалею, так мне дорог этот шедевр природы южных морей. Тогда богач начал накручивать цену и, в конце концов, выкупил ракушку за огромные деньги. После чего бросил её на пол и тут же растоптал. Первый на него чуть с кулаками не набросился за такое зверство. Тогда варвар объяснил мотивы своего поступка. Дело в том, что у него в коллекции была точно такая же раковина. Он думал, что владеет уникумом и, когда узнал, что природа создала копию своему шедевру, сделал всё, чтобы его экземпляр остался уникальным.
А вот нынешние мастера фотоискусства проявляют какую-то ненормальную алогичную жадность и своим желанием продать побольше "оригиналов" рубят сук, на котором сидят. При этом они "подкладывают большую свинью" фотографам будущих поколений. Коллекционеры скоро поймут, что к чему и престанут покупать подделки, ибо владелец такого "оригинала" ничем не отличается от владельца экземпляра многотиражного журнала, где напечатано то же фото в хорошем качестве. А вот владелец картины Г.Климта "Смерть и жизнь",(33) как и владелец любой другой картины - отличается от всех имеющих эти картины в репродукциях. Оригинал потому и оригинал, что он уникален.
Несколько слов о вложении денег в картины и антиквариат. Сейчас стало почти общепринятым утверждать, что вложение финансов в антиквариат и картины - очень выгодно. Мол, это единственные вещи, которые со временем только дорожают. Так то оно так, но рассмотрим один случай из жизни. Об этом писали в своё время СМИ, но я не помню ни имён участников нижеописанной драмы, ни сумм которые фигурировали. Да это и неважно, такое могло произойти и с другими людьми. У одного богача была коллекция картин стоимостью, условно, в три миллиона - столько он заплатил приобретая эти картины. У него был похищен сын. Похитители потребовали выкуп, условно говоря, миллион. Папаша не имел столько "налички" и решил срочно продать коллекцию картин. Но вместо ожидаемых трёх, едва выручил один миллион - тот, который был необходим для спасения сына. В чём же причина? Картины-то он покупал много лет, и если они постоянно дорожают, то - не то что три - пять миллионов мог бы получить за них. А причина в том, что картины нельзя выгодно ПРОДАТЬ СХОДУ. Для того, чтобы их нормально продать, надо проводить аукцион, а перед аукционом - масштабную рекламную компанию, привлечь оценщиков и специалистов, которые засвидетельствуют подлинность картин, ЗАБЛАГОВРЕМЕННО предупредить возможных участников, чтобы у них были свободные деньги - и прочее, и прочее, и прочее. Есть понятие ликвидности и не ликвидности. Например - золото более ликвидно, чем дорогая шуба. Но шуба в свою очередь более ликвидна, чем компьютер. Техника сейчас постоянно совершенствуется и компьютер, купленный три года назад, будет устаревшим. То есть, ликвидность каждой вещи имеет свою специфику. Картины и антиквариат действительно постоянно дорожают, но каждую вещь надо продавать ИНДИВИДУАЛЬНО, в отличие от золота, скажем, или нефти. Стоимость этих продуктов тоже подвержена конъюнктуре рынка, но баррель нефти или унция золота не имеет той индивидуальности, что полотно художника. Поэтому продажа этого полотна будет зависеть от очень многих факторов, начиная от расторопности продавца и заканчивая текущей модой.
Вот конкретный пример. В конце XIX века импрессионисты с огромным трудом смогли добиться общественного признания, их картины, наконец, начали продаваться за пристойные деньги, и надо же было такому случиться - разорился один из их поклонников, банкир Э.Ошеде. Его великолепная коллекция полотен импрессионистов была продана с аукциона, продана в спешке, задёшево. И что же вы думаете?! После этой распродажи резко упали цены на картины импрессионистов. Не только на те, что хранились в замке Ошеде, а на все. Разве художники стали хуже рисовать? Нет. Разве разразился кризис в стране? Нет. А картины подешевели, репутация художников упала и немало времени прошло, пока к импрессионизму вернулось доверие публики.
Да и с самими аукционами не всё ясно. Время от времени в СМИ просачиваются слухи, что не все сообщения о продажах картин за огромные деньги верны. Порой по соглашению с художником их завышают, поднимая его рейтинг. Даже с учётом налоговых расходов это выгодно обеим сторонам. Рейтинг аукциона тоже растёт, раз он такие дорогие картины продаёт. Недавно художники, чьи картины были проданы на аукционе Сотбис жаловались, что аукцион берёт огромные комиссионные, берёт за престиж. А улучшается ли качество картины после продажи на престижном аукционе? С одной стороны вроде бы нет, картина та же, что и была, а с другой стороны - продать то её, при прочих равных условиях, можно дороже. По крайней мере, она улучшает своё качество, как средство сбережения капитала.
Если говорить о современном арт-рынке, то верным будет утверждение, что продаётся не картина, а подпись художника. Вот два примера, находящиеся как бы на разных полюсах. Представим картину, которую талантливый художник писал много лет. Пусть это будет "Явление Христа народу" А.Иванова. И бутерброд, надкусанный Майклом Джексоном, или бельё певицы Мадонны (и такие вещи продают на аукционах!). Так вот, ОТКРОВЕННАЯ мазня "раскрученного" художника, ближе к последнему, а не к первому, пусть даже она подобно картине Иванова, положена на холст с использованием красок. Это всё равно не картина - это надкусанный бутерброд. И если вы поклонник таких бутербродов, покупайте подобные картины хоть за миллион, только не говорите при этом о духовности или об искусстве!
Вот ещё некоторые мысли по этому поводу.
Не имеет смысла опровергать поверхностные утверждения о том, что нефигурная живопись несёт какую-то "энергетику". Разумеется, любая картина может дать тот или иной эмоциональный заряд, созерцающему её. Но не только картина - такой же заряд может дать и фото, и вид из окна, и многое другое. Я не об этом. Просто некоторые люди видя, что нарисована чушь, пытаясь для себя обосновать, почему она так дорого стоит, утверждают, что картина испускает энергию, заложенную в неё художником. Прямо как позабытый ныне Алан Чумак - тот, что в годы перестройки "заряжал крэмы", которые доверчивые люди клали перед телевизором во время выступления шарлатана (и даже перед его газетным портретом). Если вы верите в то, что посредством телевизора можно заряжать "крэмы" - вам не стоит читать мою книгу. А остальным - тем, кто верит, что во время работы мастер "заразил" картину своими флюидами, которые она потом испускает целые века, можно напомнить хотя бы то, что большинство картин мы видим в репродукциях. Я пишу об этом, что б не тратить время на разоблачение "теории" флюидов. Оригиналы множества картин находятся в частных коллекциях и видят их - единицы. И даже те, картины которые находятся в музеях, разбросанных по всей планете, доступны только богатым людям с уймой свободного времени. Мало кто может себе позволить разъезжать по всему миру, рассматривая шедевры. Или флюиды кочуют из репродукции в репродукцию, как энергия "крэмов" Чумака?:))
А если вы считаете, что нефигурную живопись можно использовать при медитации, что всматриваясь в хаотические нагромождение линий и пятен, можно увидеть иные миры, я бы посоветовал вам медитировать на завитушки обоев, или на узор древесины кухонного стола. Не хуже получится. Китайские дзэен-буддисты так давно и делают…
Но нельзя впадать и в другую крайность - всё непонятное широкой публике объявлять ерундой, лишать художника права на эксперимент. Помню в молодости - ныне самые любимые мои стихи из творчества М.Цветаевой, Б.Пастернака или О.Мандельштама типа "Звезда с звездой - могучий стык…" казались мне невразумительной чушью. Но не потому, что эти поэты писали плохо, а потому, что я тогда был приверженцем классических форм и просто не понимал авангарда и модернизма. Точно так же, как некоторые люди, которые хвалят мои стихи в классической форме, ругают экспериментальные. Но я то, как автор, знаю, что непонятные широкой публике стихотворения ничуть не хуже. И энергии и вдохновения в них "вбухано" не меньше, чем в понятные. Они просто разные - вот и всё. В Интернете сейчас творит очень много молодых авторов, очень много неподготовленных. Они о стихах слышали только то, что в них должна быть рифма (хотя это не обязательно). Об экспериментах и поисках эти люди и знать не знают. Поэтому мне часто приходится защищать право автора на эксперимент, защищать авангард. Тот авангард, который является результатом подлинных творческих исканий, а не спекуляцией на непонятности. Да что там авангард! Для понимания искусства иконописи, арабесок, стихотворений в твёрдых формах - от хокку до сонетов - надо знать присущий им "код". Иначе невозможно насладиться ими, оценить мастерство создателей.
Как же отличить произведение, имеющее сложный, непонятный широкой публике, "код" от бульварной подделки, спекулирующей на непонятности? Как это ни банально - единственное мерило - вкус. Развитый художественный вкус, опирающийся, как на личный опыт, так и на культурный багаж человечества. Сюда относится и знание различных стилей и направлений.
Перелопатив много книг, ознакомившись со многими направлениями - со всеми этими ташизмами-дадаизмами - я могу сказать, что большинство картин так называемой нефигурной живописи - бульварные поделки, рассчитанные на непритязательный вкус толстосумов желающих быть причастными к высокому искусству. Большинство, но не все. Возьмём, например, картину Клода Моне "Рыбачьи лодки", написанную ещё в 1866 году, когда нефигурное искусство ещё не выделилось, как направление. Там лодки эти сразу не заметишь - мощные вертикальные линии на белом, под ними - нечто неопределённое. А всмотреться - лодки под деревьями. Не всматриваться - типичная нефигурная живопись. Недаром эту картину одного из основоположников импрессионизма считают прелюдией к авангарду. Там действительно есть ритмика линий, игра красок, которые помогают мастеру лучше отразить тему и задачу картины. Моне, как и другие художники-экспериментаторы прошлого, хорошо умел рисовать, в отличие от многих современных авангардистов. Правда, теперь моё отношение к профессионализму не столь категорично, как было ранее.(34) Теперь я допускаю, что человек, не умеющий рисовать, может стать крупным художником. Но лишь при одном условии - он должен быть столь гениален, что сумеет увидеть что-то совершенно новое и неведомое. То, чего не смогли увидеть все остальные люди. Но, в любом случае, умение рисовать вряд ли повредит даже самому большому оригиналу. По крайней мере, нарушение пропорций и неправильная перспектива должны появляться от мастерства, от "переумения", если так можно выразиться, а не потому, что автор не может. Это конечно не касается тех, кто честно заявляет о себе, как о примитивах. Точно также, как в поэзии неправильная рифма может появляться только тогда, когда это СПЕЦИАЛЬНО понадобилось автору, который УМЕЕТ рифмовать. С другой стороны - часто бывают такие стихи, в которых всё понятно, всё правильно, а он бездарен. А другой - без рифм, без смысла - отмечен почерком гения. Также и картины - правильные с соблюдением пропорций и перспектив - порой скучнее, казалось бы, хаотичных мазков, написанных рукой гения.
К.Моне. «Рыбачьи лодки». 1866.
О.Дикс. «Портрет журналистки Сильвии фон Харден». 1926.
Эта картина хорошо иллюстрирует достижения модернизма. Неправильность и угловатость рисунка не только передают характер персонажа, но и своеобразную атмосферу Европы 1920-х.
И ещё - зритель или читатель должен ВЕРИТЬ автору. Если я знаю, что этот художник написал сотни хороших, понятных картин, а поэт сотни стихов, то, встретив его произведение со сложным "кодом", я должен задуматься. Раз я знаю, что автор ДОКАЗАЛ свою адекватность, то увидев на холсте набор кружочков и пятен подписанный именем этого автора, я не должен отбрасывать его сразу - я должен хотя бы попытаться найти разгадку. Пусть самую простую - мастер шутит…
М.Ларионов. «Площадь провинциального города». Ок. 1900.
На этой картине немного нарушена перспектива.
Что это – неопытность девятнадцатилетнего юноши
или изощренное мастерство зарождающегося гения?
Вся беда в том, что среднестатистическая публика не отличит мазка гения от мазка шарлатана. Сложность, а главное, субъективность "кода" непредметного искусства даёт широкое поле деятельности для обманщиков. Нужно уметь почувствовать ту грань, где углублённый (пусть понятный только горстке посвящённых) "код" превращается в откровенную халтуру. Хотя на крайних полюсах всё ясно. Гений тот, кто ПЕРВЫМ написал "Чёрный квадрат", кто ПЕРВЫМ выставил писсуар, как музейный экспонат. А тот, кто сейчас рисует ромбики с квадратиками, кто выставляет в музеях пивные банки - халтурщик. Пусть он даже продаёт свои "шедевры" за огромные деньги. Ведь многие люди слышали, что для понимания высокого искусства нужна определённая подготовка. Поэтому ВСЁ, что они не понимают, если оно продаётся за миллионы, им кажется глубоким. А это - не всегда так. А ещё обывателям бывает лестно распутывать, вычислять "код" мастера. Находить намёк. Поэтому халтурщик типа Сальвадора Дали, который "код" своих картин скрывает ровно настолько, чтобы было видно, что здесь шифр, но чтобы любой мог его сразу же расшифровать, да ещё польстить себе при этом, какой он тонкий знаток… Так вот - такой халтурщик для широкой непритязательной публики будет предпочтительнее серьёзных мастеров. К тому же халтурщику "раскрутиться" легче. Он всегда проворнее мастера, он более пробивной, да и времени на "раскрутку" у халтурщика больше.(35)
Хотя понять "код" - не всегда возможно. Бывает так, что одна и та же вещь одновременно имеет и не имеет "код", в зависимости от того, кто её потребитель. Помню в детстве, в 1970-е, когда было популярно выжигание и вырезание на дереве, у меня на стене висела доска, покрытая чёрным лаком, где белым по чёрному был вырезан олень и за ним горы. Они казались мне тогда очень романтичными, и я мог долго всматриваться в них, созерцая неведомые, загадочные дали. Сколько всего таинственного и прекрасного я мог увидеть там! Но если я нарисую три треугольника, убрав в каждом нижнюю линию, поставлю два в один ряд, а третий, поменьше, чуть повыше, между ними, так, чтобы его линии внизу, едва не касались, граней первых двух и назову это великим произведением изображающим горный пейзаж, то вы скажете, что так каждый может нарисовать. А вот если бы нечто подобное нарисовал бы Кацусика Хокусай, то сиё творение назвали бы проявлением японского минимализма и большинство зрителей действительно смогли бы увидеть в простых треугольниках загадочные японские дали. Как в простом s-образном завитке можно увидеть изгиб бедра красавицы или улыбку раковины южных морей. Смотря как на это смотреть.
Три треугольника. Горный пейзаж.
К.Хокусай. «Красная Фудзи». 1823-1831.
Гравюры Охара Косона (1878-1945), как яркий образец японского искусства.
А вот образец современного искусства Северной Кореи – картина-аппликация из птичьих перьев.
Вообще к искусству далёких культур нельзя подходить с привычными нам мерками. Их "код" порой столь непонятен нам, что, по сути, и нет там никакого "кода". Для нас нет. Но он явен для тех, кто вырос в этой культуре. Бывает так, что "код" просто непереводим. Возьмём такой жанр японской поэзии, как хокку. Тут даже употребление слова "поэзия" не совсем корректно. Во всяком случае, хокку не совсем то, что европейцы понимают под поэзией. Я когда-то сильно увлекался хокку. Даже собирал в разных источниках различные переводы одного и того же произведения. Самое знаменитое в Японии хокку принадлежит Басё и называется "Старый пруд". О нём написаны тома серьёзных и глубочайших исследований. Оно считается вершиной японской поэзии. Да и сам мастер писал свой шедевр долго, пройдя через напряжённые искания, перепробовав множество вариантов. Я приведу здесь его примерное звучание, подстрочник в переводе В.Марковой, а также, собранные мною из разных книг, переводы. Конечно, хокку надо печатать по-особому - каждое трёхстишие на отдельной странице, но нас в данном случае интересует не эстетическая, а смысловая сторона. Итак:
Окончание следует
Обсудить новость на Форуме